La copa de la vida / The cup of life - Ricky Martin

La Copa de la Vida / The Cup of Life

Ricky Martin 

Ricky Martin es un cantante de fama mundial que empezó desde muy joven en el mundo de la publicidad, las telenovelas, series de televisión, teatro, así como en su faceta más conocida: la música. Sus primeras incursiones en el mundo del arte fueron como modelo infantil, sin olvidarnos de las obras de teatro en el colegio, las actuaciones en coros religiosos, cantando jingles, ...

En 1983 entró a formar parte del grupo musical Menudo, grupo creado en Puerto Rico en 1977, formado por adolescentes. En ese momento conoció la fama, formando parte del conjunto durante cinco años, en los que compaginó sus facetas de cantante y actor, siendo su ámbito de actuación Centro y Sur América así como Japón, Filipinas y otras partes de Asia.

En 1990 es contratado en México, para grabar 2 álbumes de estudio con sus compañeros de la telenovela en la que participa, Alcanzar una estrella II, dicha telenovela se adaptó al cine y es cuando Ricky Martin entra en la industria cinematográfica. A finales de 1991 lanzó su primer álbum como solista, titulado “Ricky Martin”, del que se extrajeron 7 sencillos y que al año siguiente alcanzó la posición 5 en el Billboard Latin Pop Albums. En 1993 salió al mercado su segundo álbum, “Me amarás”. Como promoción de los discos realizó dos giras Ricky Martin Tour y Me amarás Tour, con las que logró darse a conocer en numerosos países de Latinoamérica.

En 1994 se traslada a Los Ángeles para unirse al elenco de la serie norteamericana de televisión General Hospital, en la que participó durante un año. En septiembre de 1995 sale al mercado su tercer álbum, “A medio vivir”, con el que iniciaría su asociación con el productor K. C. Porter, quien había creado una productora dedicada al crossover de artistas latinos hacia el mercado estadounidense, este disco orientó su carrera hacia el pop latino. Con él logró ser Disco de Platino en Argentina, Francia y España, y Disco de Oro en Estados Unidos y Finlandia; vendió en todo el mundo más de 3 millones de copias. Figuró en los listados de Billboard: Top Latín Albums, puesto 13 y Latín Pop Albums, puesto 10. Consiguiendo, así mismo, darse a conocer en varios países a nivel mundial, sobre todo a través del tema María.

Junto con otros cantantes famosos participó en la grabación de la canción Puedes llegar, incluida en el disco los Juegos Olímpicos de Atlanta 1996. También colaboró con Paul Anka en la grabación de la canción Diana, para el disco de este último, titulado “Amigos”. En ese mismo año participó, en teatro, en la producción musical en inglés de Les Misérables (Los Miserables), siendo este su debut en Broadway, donde hizo uno de los papeles principales. Su interpretación recibió mayormente críticas positivas. Al año siguiente, puso la voz a Hércules en la versión en español de la película  de  animación de Disney, del mismo nombre. Asimismo, grabó la canción «No importa la distancia», versión en español de «Go the Distance» para la banda sonora del filme.

En 1998 se edita el álbum “Vuelve”, el cual cuenta con la canción oficial del Mundial de Fútbol de Francia 1998, que cantó en la final: La copa de la vida o The Cup of Life, su versión en inglés, que lo llevó a tener un mayor reconocimiento a nivel mundial, obteniendo Discos de Oro y Platino, en muchos países alrededor del mundo y a ser número 1 en Australia, Francia y Suecia durante 6 semanas, 4 en Alemania, 2 en España, 1 en Suiza y Bélgica. Entró en el Top 10 en Noruega, Austria y Los Países Bajos. En el Reino Unido alcanzó el puesto 29.

 En los Estados Unidos, la canción entró en el Billboard Hot 100, alcanzando el puesto 60, pero al año siguiente, después del éxito de  Livin' la Vida Loca, volvió a la lista alcanzando el puesto 45. La interpretación de, La copa de la vida o The Cup of Life, que hizo el artista Ricky Martin, en los Premios Grammy sirvió para entender porque el público americano lo nombró el máximo exponente del crossover, y no sólo impactó a la audiencia americana sino también a colegas del mundo de la música presentes en la ceremonia. El prestigioso diario The New York Times publicó: "Ricky no cruzó hacia el mercado americano, sino más bien fue el público americano el que se dio cuenta que se estaba perdiendo a un artista con una trayectoria muy original" y describió la memorable presentación como “una llama que encendió al mundo de la música pop” y estableció a Ricky Martin como “el símbolo de la nueva corriente cultural Latina en los Estados Unidos.”. Esa misma noche, el puertorriqueño ganó el premio Best Latin Pop Performance por su disco “Vuelve”. Y desde ese momento Ricky Martin adquirió nombre y presencia reconocibles en todo el mundo.

Esto ocurre en el contexto en que el idioma español está presente en la mente norteamericana, ya que hay estados en los que está abierta la polémica sobre la educación bilingüe, debido a la importancia creciente de la colonia latina, por ejemplo California, aprobó la restricción de la enseñanza bilingüe en las escuelas públicas, abriendo la puerta a otros estados a que siguieran su ejemplo.

La pujanza de lo latino también se ve reflejado en otros campos como el deporte, en tenis el chileno Marcelo Ríos vence a André Agassi en el Master de Miami, en la final de dobles femeninos está presente la española Arancha Sánchez-Vicario. En baseball el nicaragüense Dennis Martínez empata con Juan Marichal como el lanzador latinoamericano con el mayor número de victorias en su carrera.

En Estados Unidos el entorno político es tenso, atentados terroristas en las embajadas estadounidenses en Kenia y Tanzania, y convulso, el caso Mónica Lewinsky. El déficit de la balanza comercial de los EEUU aumentó un 53%, debido a la reducción de las exportaciones, principalmente con Asia, demostrando la vulnerabilidad de su economía. 

En este ambiente lo que la gente necesita es desconectar de la realidad y vivir ilusión y alegría. Esto  hace que una figura como Ricky Martin que vende vitalidad y frescura triunfe en los Estados Unidos. También es muy importante la percepción que tienen de él, ya que al ser portorriqueño encarna sus valores para la gran cantidad de latinos que viven en los Estados Unidos. Sin olvidar que el público anglosajón está familiarizado con su presencia en el mercado a través de colaboraciones con otros artista por ellos conocidos, como las ya comentadas con Paul Anka o en el disco de las Olimpiadas de Atlanta '96, series de televisión como General Hospital, obras de teatro, Les Misérables. También hay que tener en cuenta que su productor, K.C. Porter, es especialista en introducir artistas latinos en el mercado anglosajón como Luis Miguel, Carlos Santana, Laura Pausini…, y viceversa, en promocionar artistas anglosajones en el mercado latino, por ejemplo Bon Jovi, Janet Jackson, Scorpions, etc. Todo ello, junto con su calidad como artista hace que este éxito y su siguiente álbum sean su despegue como gran artista en Estados Unidos y el mundo.

La solista con mayores ventas del siglo XX

“LA REINA DEL POP”: MADONNA

Se trata de la cantante pop con mejores estrategias de marketing, desde hace años, Madonna Louise Veronica Ciccone ,nacio en el 1958 en Bay City, Míchigan, Estados Unidos, conocida simplemente como Madonna, es una cantautora, bailarina, actriz y empresaria estadounidense.

Madonna muy pronto partió hacia Nueva York en busca de la fama y con el objetivo de conseguir hacerse un hueco en el difícil mundo de la música. A principios de los 80, a sus 23 años, dejó Detroit;y se mudó a la Gran Manzana para perseguir una carrera en la danza contemporanea. Las cosas mejoraron cuando conoció al cantante francés de música disco, Patrick Hernandez con el que posteriormente iría de gira a Paris como bailarina. A los dos años dejó la universidad.

Después de participar en dos grupos musicales (Breakfast Club y Emmy), en 1982 firmó con Sire Records (filial de Warner Bros. Record) y lanzó su álbum debut Madonna al año siguiente. Siguió lanzando una serie de álbumes en los que encontró una inmensa popularidad y muchas de sus canciones han alcanzado el número uno en las listas musicales de varios países alrededor del mundo.

La obsesión por un trabajo perfecto y la labor de marketing que la ha llevado a reinventar su imagen en función de los tiempos que corrían, ha hecho de ella un icono que marca tendencias.

Podríamos decir que ella misma es una estrategia de marketing: ha utilizado todos los valores que la representan y ha jugado con ellos. Ha hecho de la polémica, la controversia y lo políticamente incorrecto valores positivos y explotables.
Algunas claves del éxito de Madona,enfocándolo desde una perspectiva de marketing serian:
Su actitud en los conciertos es ordinaria, no muestra amor por su audiencia, pero a su fans les encanta.
Sus ambiguedades amorosas amorosas rematadas en bodas secretas la han hecho saltar de página a página en las revistas.
La subversion que se refleja en su actitud hacia los consumidores (sus fans), en lugar de mimarlos, los trata mal.
Controvertida y polemica, ha blasfemado y luego se ha convertido al judaísmo.

Provocadora en cada una de sus etapas estéticas y musicales, es imprescindible recordar momentos como el beso con Britney Spears en la gala de la MTV, jugando a la ambigüedad sexual; utiliza la técnica de marketing del escándalo

En definitiva, por su innovación y provocación ensus videos musicales y espectaculos  (“Papa don´t preach”,  “like a prayer”, “Vogue”…), y también por sus polémicas personales y por el uso de símbolos políticos, religiosos y sexuales a lo largo de su carrera hacen que “la reina del pop” siga siendo una estrella en el mercado musical durante treinta años casi. Ella es sin duda el icono que, se convierta en lo que se convierta, va a ser lo más de la tendencia. Y por supuesto esa capacidad de reinventarse va a hacerla ganar adeptos siga la estela que siga.

En la industria de la música, como casi en todas, también tuvo competencia: se vio opacada por el gran trajo de CyndiLauper y BarbaraStreissan (actrices y cantantes de los años 80); Michael Jackson, por ejemplo, también fue una competencia para Madonna.

“MDNA” es un álbum de estudio número 12 y primero tras su anterior trabajo, "Hard Candy", publicado cuatro años antes. Madonna recupera en este nuevo trabajo un tono más introspectivo, evocando su fracaso matrimonial con el director Guy Ritchie. A pesar de ello, "MDNA" es un disco muy bailable, con unos inicios más tecno y house y pasando a temas más frívolos, para terminar con un espacio dedicado a la delicadeza. 

En resumen, desde sus inicios en la música siempre se ha caracterizado por su personalidad provocadora y su continua adaptación a lo que iban exigiendo los tiempos. Esto ha hecho que se mantuviera el mito a lo largo de los años, llegando a ser reconocida como” la reina del pop”. Sus más de 300 millones de discos vendidos avalan su trayectoria musical.

Madonna ha vendido entre 300 y 360 millones de discos, con lo que establece el récord mundial de "la solista más exitosa y de mayores ventas musicales de todos los tiempos".

Este genio del marketing, tiene una intuición e inteligencia casi sobrenatural para predecir la tendencia. No se sabe si Madonna se adelanta a lo que va a venir o si el mundo sigue lo que elige Madonna. Después, sabe retirarse a tiempo.

ROCK LATINO cuna de éxitos fugaces?

                                                           Mike Albornóz

Cantante y compositor nacido en Guayaquil-Ecuador,  en el año de 1965, es un buen ejemplo del fenómeno llamado Rock Latino.

Sus estudios los realizó en el prestigioso colegio Xavier, donde formó junto a unos amigos su banda de música llamada EASY , esta banda en un principio tocaba música Country y luego decidieron cambiar por el Rock de Queen y The Rolling  Stones , finalmente se disolvieron y él continuo como solista.

Mike cambió la escritura de su nombre a MAIK ya que quiso latinizarlo porque vivía en un país latinoamericano y así facilitaba su correcta pronunciación, él se caracterizaba por sus bailes, vestimenta  y movimientos sexuales en el escenario.

Foto de Maik tomada de  www.letras-canciones.info

Su éxito empezó en su ciudad natal y luego se extendió por todo el país a tal punto que le sirvió para representar a Ecuador en el festival OTI en el año 1985 y para abrir el concierto de los Hombres G en el año 1987 en el estadio  Modelo de Guayaquil  ante 80.000 personas, no obstante esto,  no pudo obtener un mayor reconocimiento fuera de sus fronteras a pesar de haber participado junto a artistas reconocidos a nivel mundial como:  Chayanne, Paloma San Bacilio, Rocío Dúrcal, Los Ilegales de España, Paulina Rubio , etc..

Mike fue uno de los  solistas más destacados en el panorama musical ecuatoriano en la década de los 80 y parte de los 90 debiéndose su éxito principalmente a la explosión que ocurrió en Latinoamérica del fenómeno musical denominado Rock Latino (Rock en tu idioma), por el cual nacieron innumerables grupos de músicos que intentaban crear  rock en español para el público latinoamericano que se  había cansado de importar rock anglosajón y en consonancia  de la caída de sus dictaduras sentía que la forma de expresar su nueva libertad era con música propia que no tenía censura o casi ninguna encima de ella.

Otro factor importante de su éxito fue que contaba con los medios económicos de sobra con los cuales podía contratar y utilizar los medios de difusión con suma facilidad.

La caída de su popularidad se da como cosa contradictoria precisamente por el movimiento llamado Rock Latino ya que mientras lo que él ofrecía era un producto meramente comercial, es decir algo solo para divertirse con temas como: San Viernes, Un balde de agua fría, etc.,  aparecieron grupos que en cambio ofrecían verdaderas obras de arte musical pudiendo tomar como ejemplo a: Los Prisioneros, Soda Stéreo, Tranzas, etc.

                               

Entre los años 2000 y 2011 grabó nuevos discos que no tuvieron gran repercusión e incluso se animó a interpretar teatro y  musicales  sin mayor éxito.

En conclusión podemos decir que Mike (Maik) Albornóz tuvo su minuto de gloria en el infinito de la música latinoamericana  pero que a la vez este minuto no le alcanzó para que su obra  y él mismo sean historia dentro de la historia del Rock Latino. Eso si, a mi me encantaba y aún me divierte escuchar sus canciones.

  

   Enrique Fernando Díaz Gómez

UN CONTROVERTIDO “DÍA DE FIESTA”

Joan Manuel Serrat vivirá con Fiesta el inicio de su éxito y de un movimiento social que tendrá repercusión tanto en España como en Latinoamérica. 

Corre el feliz y floreado año 1.969 entre ideas de igualdad y libertad. Corre libre, en casi todos los rincones del mundo. Pero no en todos. En España, se celebra el trigésimo aniversario de una dictadura de represión y censura que controlaba y continuaría rigiendo la inspiración de poetas y cantantes.

No sería, sin embargo el único punto oscuro del globo; Argentina sabe y sufre de un régimen similar en el que se coartan las libertades de un pueblo que sueña con los derechos de antaño. Y es en ese controvertido rincón del planeta donde empieza la aventura de “Fiesta”.

Un joven Joan Manuel Serrat, con su primer contrato en una discográfica española bajo el brazo, -hasta entonces había publicado un par de EPs en catalán-, se lanza a una gira por Latinoamérica, en especial esa Argentina hermana que bien conoce los anhelos que toda una generación estarían por convertir en realidad.

Y hete aquí que en ese marco encuentra su lugar para editar y presentar una canción que sufrirá de modificaciones y censuras, pero que acabará convirtiendo Serrat en su tarjeta de presentación, -o despedida-, de sus actuaciones en directo en los siguientes 45 años: “Fiesta”, o “Un Día de Fiesta”, como originalmente se tituló.

Joan Manuel se enfrentaba a todo tipo de desagravios a su música por parte del franquismo; principalmente motivados por sus ideas republicanas, antifascistas y catalanistas, radicalmente opuestas al régimen imperante. Esto le valió un veto en los medios de comunicación, que, si bien se extendió por diez años, no mermaría su capacidad de publicar trabajos, entre 1.969 y 1.974, con altos componentes de “canción protesta” como Dedicado a Antonio Machado, poeta. Sin embargo, no sufrirá la mano del censor en sus letras hasta esta mordaz e irónica canción en la que desgrana la dicotomía y la desigualdad de la sociedad española, con la metáfora de una fiesta. Una fiesta es un evento que junta a muchas personas diferentes y en la cual éstas pueden olvidarse de sus problemas. 

La fiesta aquí sirve como una distracción de la realidad. Analizaremos a continuación tanto la letra, como sus alteraciones exigidas para poder ser interpretada en España, y observaremos cómo, hilando fino, el artista alude a la sociedad española, católica y franquista, en donde las diferencias sociales se pretendían anular con el placebo de una fiesta en que son todos iguales.

                        LA LETRA

Entre paréntesis se observan las correcciones de estilo con las que se publicó en España en 1.970, si bien no fueron impuestas en Argentina.

Foto extraída todocoleccion.net

Gloria a Dios en las alturas,
recogieron las basuras
de mi calle, ayer a oscuras
y hoy sembrada de bombillas.

Y colgaron de un cordel
de esquina a esquina un cartel
y banderas de papel
lilas, rojas y amarillas. (verdes, rojas y amarillas)


Y al darles el sol la espalda
revolotean las faldas
bajo un manto de guirnaldas
para que el cielo no vea.

En la noche de San Juan,
cómo comparten su pan,

su mujer y su gabán, (su tortilla y su gabán)
gentes de cien mil raleas.

Apurad,
que ahí os espero si queréis venir,
pues cae la noche y ya se van
nuestras miserias a dormir.

Vamos subiendo la cuesta,
que arriba mi calle
se vistió de fiesta.

Y hoy el noble y el villano,
el prohombre y el gusano
bailan y se dan la mano
sin importarles la facha.

Juntos los encuentra el sol
a la sombra de un farol,
empapados en alcohol,
magreando a una muchacha. (abrazando a una muchacha)

Y con la resaca a cuestas
vuelve el pobre a su pobreza,
vuelve el rico a su riqueza
y el señor cura a sus misas.

Se despertó el bien y el mal,
la zorra pobre al portal, (la pobre vuelve al portal)
la zorra rica al rosal (la rica vuelve al rosal)
y el avaro a las divisas.

Se acabó,
el sol nos dice que llegó el final.
Por una noche se olvidó
que cada uno es cada cual.

Vamos bajando la cuesta,
que arriba en mi calle
se acabó la fiesta.

Desgranando sólo algunos detalles de esta letra, observamos la clara alusión a la bandera republicana, que, por supuesto fue modificada, y no será más que en algunas actuaciones en directo en los años venideros, cuando Joan Manuel se atreverá a cantar ese verso tal y como fue compuesto.

En “revolotean las faldas bajo un manto de guirnaldas para que el cielo no vea.”, el cielo es la libertad y la verdad; pero con esta fiesta, el pueblo no la puede ver. La canción reincide sobre esta alusión de igualdad y cómo toda la gente puede compartir y existir junta. Dice la canción “En la noche de San Juan, cómo comparten su pan, su mujer y su gabán, gentes de cien mil raleas.” Sin embargo, la realidad no es así, porque sigue Serrat, “Y con la resaca a cuestas vuelve el pobre a su pobreza, vuelve el rico a su riqueza y el señor cura a sus misas.” Cuando termine esta fiesta, que en realidad es una facha, la gente volverá a su miseria, a la realidad de su sociedad.

La canción termina con el final de la fiesta, que significa el final de la alusión. Serrat dice, “por una noche se olvidó que cada uno es cada cual.” La fiesta no va a continuar por siempre y la gente no puede vivir en una realidad distorsionada. Entonces, en esta canción, se plantea el tema social de una sociedad con problemas y una distorsión de información.

                        LA CLAVE DEL ÉXITO EN ESPAÑA

La “Fiesta” forma parte de un disco publicado en España en 1970 bajo el título Mi Niñez, aunque fue popularmente conocido como Disco Blanco, por el diseño de su portada. Se alzó al tercer puesto en los discos más vendidos en España hasta la fecha, y supuso la consolidación del cantautor como referente generacional, además de un éxito internacional rotundo.Y es que el entorno social había creado un caldo de cultivo excepcional para lo que inicialmente se conoció como Nova Cançó Catalana; una suerte de cantautores que reclamaban aperturismo social y aceptación del idioma y la cultura catalana dentro de la sociedad española, y que poco a poco se extendió hacia un movimiento común llamado Canción Protesta.

En esos últimos años de dictadura franquista ya se venían observando revueltas estudiantiles en las universidades, y en las fábricas, donde había renacido un sindicalismo clandestino, un anhelo de cambio y aperturismo que se vio impulsado por artistas y cantantes como Joan Manuel Serrat. Un público más o menos culto, urbanita y ávido de libertad, que no dudaba en viajar a Andorra o a Francia para hacerse con todo tipo de material cultural contrario al régimen.

Con unas bases rítmicas sencillas, un poso folk y unas letras de ineludible trasfondo social, Joan Manuel Serrat logró fidelizar una masa social crítica e inconformista que compartía sus inquietudes con la siguiente generación de hermanos que, si bien probablemente no tuvieran madurez para entender las letras, sí servían como prescriptores de un sentimiento social que en España comenzaba a ser imparable, y que se prolongaría durante los años de Transición y el nacimiento de la Democracia.

Un tipo de canción que bebía de los grandes poetas republicanos que le recordaban a la sociedad que era posible otra manera de vivir y de entender la política. Un tipo de música que invitaba a pensar, a levantarse y a cambiar una sociedad desigual y desfasada.

Sin embargo, el éxito alcanzado en España no podría entenderse sin esa primera gira, en 1969, por Latinoamérica, y en especial Argentina y Chile que, sin duda, sentaría las bases del éxito de Joan Manuel Serrat en España.

                        ARGENTINA ABRE LOS OJOS A ESPAÑA

Es durante esta primera gira internacional cuando Serrat sacará todo su potencial musical. Una gira modesta, tocando en pequeños locales y teatros de provincias que le sirvieron para darse a conocer por toda la geografía latinoamericana. Argentina, Chile, Uruguay, viven inmersas en dictaduras militares muy similares a la española. Quizás fuera el hartazgo, quizás el temperamento latino fue lo que llevó a Argentina a levantarse contra la dictadura de Videla ese mismo año 1970 en que Fiesta vería la luz en España. Los sentimientos sociales del público argentino por la libertad y el cambio eran similares, sino idénticos al sentir español, lo que le facilitó a Serrat la prospección y el éxito. Un éxito que le siguió, de vuelta a casa y le permitiría componer y publicar discos cargados de reivindicación y protesta.

La influencia de Argentina será clave durante toda su carrera musical, pero es más visible en estos primeros años de exposición, en que se servirá de Latinoamérica para lanzar sus temas más controvertidos, refugiarse de la censura y esconderse de la represión franquista que más tarde pondría precio a su cabeza. En estos años clave, la gira americana coronará de éxito al artista, que se prolongará durante más de cuarenta años y que servirá para asentar su aceptación en España.

Revista Fotogramas 13/03/1970

                        REFERENCIAS:

http://es.wikipedia.org/wiki/Joan_Manuel_Serrat

http://www.jmserrat.com/foro/viewtopic.php?f=3&t=5570

http://www.geocities.ws/jmserrat/Joan-Manuel-Serrat-y-Argentina.htm

http://es.wikipedia.org/wiki/Els_Setze_Jutges

http://janikaberridge.weebly.com/anaacutelisis-de-temas.html

“ AL ALBA….¿¿AMOR O PROTESTA??”

“ AL ALBA….¿¿AMOR O PROTESTA??”

No hace falta hacer mucha memoria para recordar los tiempos de la “Canción Protesta” en España, sólo 40 años, la misma cantidad durante la cual sufrimos una dictadura.

 

En 1975 se produce un cambio político que provoca la incertidumbre del no saber que pasará después, pero había gente que luchaba desde hacia tiempo por la esperanza de ese cambio, el aperturismo del país a nivel internacional, la lucha contra la represión y el logro de otras libertades y entonces, en 1978, comienza a oírse una canción que poco a poco se instauró como icono de ese movimiento de transformación: “AL ALBA”. Poco después surge una duda… ¿Canción de Amor o Protesta?.

 

La mayor parte de las canciones de Serrat, Aute, Pablo Milanés, Silvio Rodríguez, Sabina, Víctor Manuel y otros cantautores que en un principio, los adolescentes de la época creían de amor, descubren que en realidad eran “Canciones Protesta”, pero curiosamente, no provoca decepción, sino el replanteamiento de una serie de valores.

 

Se generan una serie de interrogantes: ¿cuál es el significado real de la letra de las canciones? ¿Quiénes son realmente sus autores?. ¿Por qué escriben estas canciones?, ¿Qué les motiva a hacerlo?... y según nos vamos informando sobre el tema, se nos presentan más: ¿Si no es una mujer, a quién va dirigida la letra de “AL ALBA”? ¿Con qué fín?.. y comienzas a descubrir la realidad social de tu país:

 

 “AL ALBA”  está dedicada a los últimos 5 condenados a muerte acusados de delitos de terrorismo, cuya ejecución se llevó a cabo a pesar de la condena internacional, en 1975. La canción burló la censura que entonces se practicaba en todos los medios y que impedía se pudiera comunicar libremente pensamientos e ideologías contrarias al régimen. Su autor, Luis Eduardo Aute, nacido en Filipinas y descendiente de emigrantes españoles, es ya uno de los representantes del colectivo artístico opositor al gobierno dictatorial que hasta entonces había regido España.

 

La letra de “AL ALBA” es una despedida de los que iban a ser ejecutados, y a la vez transmitió a los que seguían reprimidos por el régimen, fuerza para seguir luchando contra ello.

 

Pero entonces surgen más dudas… ¿Por qué si se escribió y se grabó en 1975,  tuvo más difusión y repercusión en 1978 y principios de los 80?

 

Debemos tener en cuenta varios factores:

 

1.- Aute, delegó la interpretación de “AL ALBA” en un primer momento a Rosa León, ya cantante reconocida, debido a que prefería dedicarse a otras de sus facetas artísticas como la pintura y dirección de cortos y no era gustoso de las actuaciones en público.

 

                      

 A pesar de ello, en 1978 publica el disco “ALBANTA”, en el que incluye el tema “AL ALBA”. y aunque anteriormente ya había publicado “BABEL” y “SARCÓFAGO” y escrito canciones a artistas como Massiel, Mari Trini y Mari Sol y se relaciona con cantautores como Pablo Milanés, Silvio Rodríguez, Amancio Prada, Luis Pastor, etc., es a partir de “ALBANTA” cuando es más reconocido a nivel popular y no en círculos reducidos.

                        

2.-  Hemos de tener en cuenta que en 1978, se sanciona la Constitución Española, base fundamental para la instauración de la Democracia hasta ahora vigente, con lo que la sociedad no tiene la misma incertidumbre sobre cuál será el futuro de la situación del país ante el cambio de gobierno producido. Este hecho, fortalece la lucha por la renovación de la situación política y social que hasta ahora se había vivido.

 

La sociedad española, según avanza el tiempo, está más concienciada de que se están consiguiendo una serie de derechos que hasta entonces se les había negado, como es la Libertad de Expresión, y es a través de los temas de los cantautores la forma de poner de manifiesto este logro y la denuncia de la represión sufrida hasta ese momento, con el fin de que esa situación no se pueda repetir en un futuro, cosa que pocos años después, el 23 de Febrero de 1981, con el fallido golpe de Estado, se confirmó con  las multitudinarias manifestaciones populares celebradas seguidamente como protesta ante esta acción. Lo cual motivó el resurgimiento de la Canción Protesta.

 

Luis E. Aute publicó posteriormente los discos: ”FUGA”(1982); “ENTRE AMIGOS”(1983); “CUERPO A CUERPO”(1984); “NUDO”(1985); “20 POEMAS DE AMOR Y UNA CANCIÓN DESESPERADA”(1986); “TEMPLO”(1987), con reconocido éxito.

 

              

 

Paulatinamente, Aute se alejó del mundo de la música para dedicarse a otros campos artísticos como publicación de libros, dirección de cine, pintura, etc.,  y aunque ya no es actualidad, porque la sociedad española no tiene las mismas inquietudes de esa época, es justo reconocer que “AL ALBA” representa una etapa de nuestra historia en la que surgió un gran movimiento cultural, motivado por la situación político-social que en ese momento se vivió.

 

Así que finalmente, ahora que 40 años después podemos disfrutar de Libertad de Elección y de Pensamiento, que cada cual decida si “AL ALBA” es una Canción Protesta o un Canto al Amor.

 

https://www.youtube.com/watch?v=zPW_iz40Bl0

 

Como influyó Margaret Thatcher en el triunfo de Spandau Ballet

En el Londres de 1979 nace un nuevo estilo musical heredero del new wave y el glam, este movimiento nace ligado a clubes como el Blitz y el Billy’s. A diferencia del punk que buscaba la provocación tratando de molestar o incomodar a lo establecido usando cualquier método, éste es un movimiento hedonista surgido como reacción al duro momento que atraviesa el país. 

En 1979 la tasa de desempleo de Gran Bretaña era de 1’6 millones de personas, la tasa de inflación era elevada y la productividad estaba descendiendo, todos estos factores ayudaron a que Margaret Thatcher ganara las elecciones al partido laborista dando lugar a un profundo cambio social. El cierre parcial de las minas de carbón provoca una nueva oleada de huelgas en un pulso con los sindicatos que éstos acaban perdiendo, se produce la privatización de empresas estatales, la reducción de servicios públicos y la liberalización del mercado laboral. La gente acude a los clubes intentando olvidar los problemas de su vida diaria.

Spandau Ballet. www.pinterest.com

En este momento los jóvenes buscan en la moda una forma de autoexpresión, la moda como una forma inmediata de arte. La ropa que se viste en los clubes del Soho de Londres es copiada por las pasarelas de París y Roma. Es una estética próxima al glam, ropa elegante como de principios del siglo XIX: casacas, camisas con chorreras, puntillas, encajes, mezclada con ropa actual, como si proviniera de mercadillos o los saldos de alguna tienda de disfraces, todo mezclado con peinados estilizados y maquillaje. Buscan un individualismo pero dentro de un grupo con el que identificarse.

Y Spandau Ballet nació como un grupo musical pegado a estos clubes e identificado con los jóvenes que iban allí. El acierto del grupo fue saber conjugar ambas cosas: moda y música.

“To cut a long story short” fue su primer single publicado en 1980. En un momento en que están apareciendo los videoclips la estética de kilts, tartán,…es una copia de lo que se podía ver en estos clubes lo que ayuda a que los jóvenes que van allí se vean representado por ellos. Además la fuerte presencia de batería y bajo hacen que la música sea bailable y por tanto idónea para los clubes.

Además en un momento de depresión en que la moral de los jóvenes está por los suelos las letras de su primer Lp “Journey to Glory” hablan de fuerza, valor, conquista, purificación, valores que siempre son atrayentes

L' ESTACA DE LLUÍS LLACH. Un himno de ayer y hoy.

La lucha y el cambio social siempre han estado estrechamente ligados a la música. Desde finales de los años 50, la reivindicación de las libertades y los cantos de autor iban de la mano. Eso es algo de lo que se bebe actualmente. Sin ir más lejos, la última asamblea de Podemos, celebrada en Madrid, concluyó con todos sus asistentes cantando L'estaca, de Lluís Llach. Su portavoz, Juan Carlos Monedero, lo explicó así: "Somos conscientes de que nos falta un himno, pero queríamos una canción para que los más jóvenes sepan que nuestra lucha es heredera de aquellas que se libraron hace cuarenta años". 

Lluís Llach, un catalán comprometido con su tierra, pero también con la libertad en su concepción más amplia, fue probablemente el cantautor más represaliado de la época, con prohibiciones continuas, multas e incluso detenciones.

Nace en Girona en mayo del 48. Vive toda su infancia en Verges, un pequeño pueblo situado en el Baix Empordà. A los 15 años, se desplaza a Barcelona para cursar estudios de ingeniería. Dos años después, se matricula en la Facultad de Económicas. Inmerso completamente en los ambientes universitarios antifranquistas, y debido al interés que desde pequeño ha mostrado por la música, entra en contacto con el grupo intelectual de “Els Setze Jutges" (Los dieciséis jueces), antecedente del que entonces empezaría a denominarse "Nova Cançó" y en la que Llach muy pronto destacaría junto con artistas como Joan Manuel Serrat, Maria del Mar Bonet, Francesc Pi de la Serra, o el cantautor valenciano Raimon, que también estuvo vinculado en el inicio de su carrera, contribuyendo especialmente al movimiento de la Nova Cançó. El nombre proviene de un trabalenguas catalán muy popular, «Setze jutges d'un jutjat mengen fetge d'un penjat», que se puede traducir como «dieciséis jueces de un juzgado comen hígado de un ahorcado», denominación que nació de un cierto espíritu irónico y en reivindicación de la cultura catalana en aquellos años de la dictadura franquista. Los integrantes del grupo fueron en sus principios aficionados, ya tenían sus profesiones respectivas, algunos de ellos se profesionalizaron más tarde. El propósito de todo el grupo fue el de impulsar el movimiento de la Nova Cançó y normalizar el uso del catalán en el mundo de la música moderna.

L'estaca, como su autor, también sufrió los embates y acometidas de la censura. Aprobada inicialmente en 1968, un año más tarde fue prohibida, cuando descubrieron su enorme potencial pese a la ambigüedad del texto ("Segur que tomba i ens podrem alliberar"),pero la canción ya se había convertido en un himno colectivo, en la canción protesta por excelencia. Cuentan algunos que en sus recitales Lluís Llach tocaba la canción al piano, sin pronunciar una palabra, y era el público quien, a coro, la cantaba. Los problemas con las autoridades venían al final del concierto.

Han pasado 47 años desde que Lluís Llach decidió incluir esta canción en su tercer disco, Concèntric 6075. En aquel entonces tenía 20 años y puso letra a una cancioncilla, con raíces en la chanson francesa, que hasta entonces sólo tarareaba con sus amigos de Verges, con el único estribillo del "tomba, tomba". Se inspiró en sus conversaciones con el abuelo Siset, un personaje real. Lo cuenta Ponç Feliu, abogado y nieto de Narcís Llansa Tubau. "Mi abuelo Siset había sido concejal de ERC en Besalú durante la Segunda República y fue represaliado por la dictadura; al jubilarse como barbero se fue a vivir con sus hijas, una de ellas establecida en Verges, donde conoció al joven Lluís Llach". El cantautor pertenecía a una familia católica y conservadora, cuyo padre había sido alcalde franquista, y descubrió a través de Siset el significado de las palabras catalanismo y república. Esto sucedía entre 1962 y 1965. "Lluís era un chico joven, que venía de Els Fossos (nombre que se daba al colegio La Salle de Figueres)y le descubrió un nuevo mundo que le impactó", añade Ponç Feliu. "A la mayoría de nosotros nos gustaba ir en bici por el pueblo, pero Lluís prefería irse de pesca al río Ter con mi abuelo y le escuchaba atentamente. Allí, solos, mi abuelo le hacía confidencias que no se atrevía en el café, jugando a la butifarra donde a veces coincidíamos todos". Ponç Feliu también cuenta que su abuelo está enterrado en el cementerio de Besalú y en los años de la transición los jóvenes independentistas saltaban los muros para ir a cantar L'estaca en su tumba.

Actualmente hay hasta cincuenta versiones en francés, inglés, corso, vasco, occitano, italiano, sueco... Una de las más famosas es la que hizo Jack Kaczmarski en 1978 convirtiéndola en Mury (muros). Fue en la práctica el himno informal del sindicato Solidarnosc, la fuerza que derrocó al régimen comunista. La letra, explica el corresponsal de La Vanguardia en Varsovia, Maciej Stasinski, era muy combativa. Era un canto a la rebelión, pero alertaba de los peligros que los propios revolucionarios levantasen nuevas dictaduras -muros- contra los disidentes. Sin embargo, este mensaje nunca llegó a ser entendido textualmente y quedó como una canción de combate y de victoria, para desesperación de su autor ya fallecido, incluso se cambiaba su final.

Más recientemente, en Túnez, en 2011, cuando empezaron las manifestaciones de protesta por el suicidio de Mohammed Bouazi en protesta por la precariedad de las condiciones de vida, dos cantantes, Lakadjina y Yasser Jeradi, crearon también una versión conocida como Dima, dima. Y la música de L'estaca entró a formar parte de la primavera árabe.

Francia es uno de los países donde la canción ha tenido más versiones.

Además es el himno oficial del club de rugby  Union Sportive Arlequins Perpignan (Unión Deportiva Arlequín de Perpiñán) (USAP) de Perpiñan (Francia).

La demanda y la protesta se pueden cantar. Letras que en muchas ocasiones tienen que esperar para ver la luz, pero que no caducan y se siguen utilizando como himnos a través del tiempo.

Luz Casal Claves Éxito

Una mirada a la artista Luz Casal nos ofrece pistas sobre las claves de su éxito...Un éxito asegurado, un triunfo profesional y personal digno de contemplar.

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De niña intrépida a mujer inquieta

Luz Casal, mujer fuerte, temperamental, arraigada a la Tierra que la vio nacer -Baimorto en La Coruña- y a Asturias, tuvo una infancia armónica y en sintonía con la belleza que desprende la música en todas sus vertientes. Como hija única de un matrimonio gallego, Luz creó en torno a su eje artístico un entramado de sensaciones que plasmaría más adelante en sus canciones, confiriendo a la realidad un aliciente sutil de emociones. En Gijón y ante un público de 50 personas se manifiesta su primera actuación gracias a la preparación previa en piano, solfeo y ballet. Pronto su espíritu inquieto la hace partícipe del grupo rock Los Fannys, cantando versiones de otros artistas. Y no conforme con eso, viaja con otro grupo de música por Asturias, León y Galicia. Sin embargo, es su sueño intrínseco de ser solista lo que despierta su interés por el canto lírico y profundiza en la técnica del bel canto.

El salto a Madrid: oportunidades por doquier

La decisión de Luz Casal de trasladarse a Madrid, parte de su fuerte convicción de creer en “ella misma” y de la capacidad de persuadir a sus padres para mudarse a la capital. Era el año de 1977; gracias a la grabación de la maqueta titulada La Guapa y a la puerta abierta de una productora independiente, Luz participa en diferentes coros hasta el punto de acompañar a Juan Pardo en directo. Enseguida sale a relucir la vena creativa de la artista en el mismo instante que escribe y graba diez de sus propias canciones (que jamás saldrán publicadas). Y por fin es en 1980 a través de un homenaje a Bob Marley cuando publica su primer sencillo “El ascensor”, con aires reggae. Coincide esta etapa con su adquisición de mayor ligereza corporal al recibir clases de baile de maestros de prestigio. Cada uno de estos episodios vitales supone la antesala desencadenante del arrollador éxito que tendría Luz Casal posteriormente. Parece como si un suceso espontáneo, estableciera el punto de conexión con el resto de acontecimientos importantes, tanto de expansión nacional (Disco “En Directo” del grupo Leño, discográfica Zafiro en 1981) como internacional (primer álbum Luz grabado en Madrid, Bruselas y Ámsterdam). El contacto con artistas de reputada fama por entonces como Ramoncín, Roque Narvaja, Noel  Soto o Carlos Narea, y su aparición en programa de TV en directo son factores que provocaron un motor de acción en todas las direcciones desde dentro (España) hacia afuera (Europa).

Clímax de éxito prolongado y con punto de partida identificado

Puede verse el éxito de Luz Casal como un clímax, siempre en ascenso que va desde el año 1981 hasta el año 1989, y es en éste año cuando se perpetúa su reconocimiento con el álbum Luz V que vende 300.000 copias e incluye temas convertidos ya en clásicos: “Loca”, “Te dejé marchar”, “No me importa nada”.Su presencia en el Festival de Chile la reúne con artistas de la talla de Sting y Peter Gabriel.

Con su disco “A contraluz” obtiene 6 discos platino y Pedro Almodóvar selecciona el bolero “Piensa en mí” para su trabajo cinematográfico “Tacones Lejanos”. Este hecho le abre las puertas a más escenarios internacionales en América Latina y se consolida mejor en Francia (muy querida, se sitúa como la primera cantante española que llena durante dos días seguidos el teatro La Cigale) y Alemania.

Después de un parón de 4 años en los estudios de grabación sale a flote “Como la flor Prometida” y “Pequeños y grandes éxitos”. Es fácilmente comprensible que el esfuerzo de Luz Casal es constante, una mujer incansable que “no para quieta” y se embarcar en nuevos retos profesionales. Precisamente ahí reside también buena parte de su éxito prolongado en el tiempo. (“Un mar de confianza”: 1999). Hasta lo más reciente (“Almas gemelas: 2013”).

Desde España a todos los rincones del Planeta

El triunfo musical de Luz Casal viene propiciado por un saber transmitir emociones universales que comparte el ser humano de cada rincón del Planeta. Pero también porque supo desde el principio imprimir fuerza a los aires de transformación que se respiraban: La UCD de Adolfo Suárez gana en 1977 las primeras elecciones democráticas desde 1936. Había entusiasmo y motivación por hacer realidad un “mundo mejor” con hueco más amplio para la Libertad de Expresión. España ya estaba preparada para la consonancia con otros países de apertura y tendentes al enriquecimiento cultural por el intercambio. La sociedad española vive la llamada Segunda Transición Demográfica que afecta al resto de países de Europa Occidental y que viene marcada por el descenso de las tasas de natalidad y fecundidad y el aumento de la esperanza de vida. 

Shakira: El nacimiento de un Producto de Marketing

Shakira nace como un producto de marketing que penetra rápidamente el mercado musical y genera una imagen propensa para promocionar productos.

Foto Cortesía Internet

Shakira es una cantautora colombiana que debutó en el mercado discográfico hispanoamericano en el año 1996 con su álbum “Pies Descalzos”, el cual incorporó géneros de pop latino y rock alternativo muy popular durante los 80s con bandas como Soda Stereo (Argentina), Los Prisioneros (Chile) y Hombre G (España), en sus canciones el contenido lírico se caracterizó por temas como el romance, formas de vida y el aborto, en sus letras se utilizaban metáforas y elementos de la naturaleza para hacer analogías, utilizó versos inspirados en poetas como Mario Benedetti, Oliverio Girondo y Pablo Neruda, y como ella misma lo manifiesto “Pies descalzos viene de mi necesidad de expresar un cierto inconformismo que tengo hacia las normas, todas las normas, hacia todas las convenciones sociales”.

Todas estas características presentes en sus canciones, junto con la situación que se presentaba en ese momento en Latinoamérica con la aplicación de las teorías neoliberales de esa época y la apertura comercial le permitieron abrir rápidamente el mercado de Sudamérica, Centro y Norteamérica.

No obstante la internacionalización de Shakira y la apertura del mercado americano (no latino) y mundial llega de la mano de su álbum “Laundry Service” en el año 2001, en el cual incorporó el inglés como lengua oficial de sus canciones conservando el género pop y rock combinados con elementos como tango, música andina y elementos árabes.

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Su internacionalización trae unos cambios significativos y radicales para la entrada en este nuevo mercado, su imagen física es transformada pasando de ser una chica con rasgos latinos (aspecto sencillo, poco maquillaje y cabello negro) a tener cabello rubio y rizado, a su vez dejó atrás su imagen recatada por una más sugerente, prototipo de imagen característico en ese entonces y presente en estrellas del pop americano como Cristina Aguilera o la naciente Britney Spears, con este cambio de imagen permitiría una mejor entrada y aceptación al mercado internacional.

Shakira en su internacionalización aporta cada vez más elementos, uno de ellos muy característico y propio de su ascendencia (árabe) fue la “danza del vientre” el cual popularizó en sus presentaciones y bailes durante sus conciertos, con esto seguía sumando elementos de otra culturas y permitiendo adquirir más valor dentro de su proyección internacional y que le permitirá la entrada a más mercados.

Su apertura al mercado americano e internacional a través de la inclusión del inglés en sus canciones como valor añadido le permitió registrar elevados niveles de éxito, sin embargo el hecho de tener el inglés como idioma base de su álbum hizo que su distribución comercial variará al tener que ser lanzado en dos versiones, una en inglés que fue publicada solamente en "Norteamérica" y "Europa" y una en castellano para Latinoamérica con los mismos temas pero en un diferente orden.

Todo este éxito internacional permitirá a Shakira a ser parte de multitudinarias campañas de marketing para otras marcas, es el caso de la campaña para la marca de automóviles SEAT “Catch the Fever” el cual contenía un comercial con ella de protagonista y una de sus canciones como tema principal del mismo, se une también al sector de cosmética y perfumería creando una marca propia de perfumes “S by Shakira”.

Así mismo firmó un contrato con la compañía internacional de telefonía móvil T-Mobile con el propósito de establecer una promoción mutua de sus productos, pero su presencia más reconocida en campañas de marketing la encontramos en el Campeonato Mundial de Fútbol de la FIFA al ser elegida la cantante en la ceremonia de clausura de los últimos tres campeonatos: Alemania 2006, Sudáfrica 2010 y Brasil 2014.

La popularidad y el éxito de una persona célebre y admirada es utilizada de manera reiterada para vender los más diversos productos y promocionar los más diversos servicios, es por eso que Shakira es un claro ejemplo de un producto de marketing, desde sus inicios con un cambio de imagen, la adaptación de sus canciones a otro idioma y la utilización de elementos para penetrar más mercados hasta ser parte de campañas de otras marcas reforzando el mensaje de la misma.

Se ha podido apreciar que la utilización de famosos en la publicidad es muy habitual por parte de las empresas que se anuncian. Pero está claro que no se utiliza a cualquier famoso, ya que la imagen que este tenga va a ser determinante que el producto que se anuncie tenga éxito o no.